习字和雕刻实践中的两点体会
 
曲松刚
 
我自幼喜画，1995年春习字至今，初学颜、欧，后习魏碑，2012年习小楷，初学王宠，后习钟、王，1999年学习雕刻至今。耕意砚心二十余年，偶有心得与大家交流。
 
一、 习字唯得“静”、“意”者胜
 
  
 
作为中国传统艺术精华之一的书法，虽然少不得飞动之美，但是，要达到这种审美效果，作书者内心的一个静字，是不可缺少的。首先是作品飞动之中的“静”，它是纯静的、自然的、有意境的；它是有生命的，是一种精神的载体。这种精神与生命是书者赋予的，是作者生命和精神的升华。
其次，书法没有浮华、没有怪诞、没有强加、没有丑恶、更不许胡来，不容染尘。这一切对于作者来说，都离不开一个静字。
汉字至隶书兴便脱离了象形文字，使其文字和原来的表示对象完全脱节，形成了一种符号，一种纯粹的符号，从而造成了书法艺术的多种实践空间。比如竹、木、石、绢、帛等各种味道。然不管如何变幻，或豪迈、或潇洒、或幽然、或含蓄、或庄重、或委婉等等，都须专心致意，这是书法想要升华的先决条件之一。汉蔡邕笔论中说到：“夫书，先默坐静思，随意所适，言不出口，气不盈息，沉密神采，如对至尊，则无不善矣，为书之体，须入其形，……纵横有可象者，方得谓书之。”从中不难发现书法是心与自然的结合，要把心绪从浮华尘世中解脱放空，正所谓书为心声，心不静则不能思，思乱则神无。所以我认为静是书者需要的一种气质和修养。
 
说到“意”，中国文化书画艺术讲究一个意字。意无形无边，如云似水，不争不息，但其纯静中却透着灵性，深沉中孕藏着博雅。正如苏轼所言：（东坡题跋卷二）“盐止于咸，梅止于酸，其美常在咸酸之外也”（原作乃司空表圣文集.卷二之言被苏东坡通俗解之）。中国文化中的“意”，集中体现在中国的艺术作品中，如《历代名画记》卷二中，“有意存笔先，画尽意在”之说。《法书要录》卷八《书断》中说：“秒于草制，观其体势，得之自然，意不在于笔墨，若高逸之士,虽在布衣，有傲然之色，故临不测之水，使人神清，登万仞之岩，自然意远。包括唐诗中也处处有意境，白居易《船夜援琴》中言道：“鸟栖鱼不动，月照夜江深。身外都无事，舟中只有琴。”其画面感跃然纸上，高雅之极。
这里的“意”至少有两种含义。一是艺术作品中的意，即所谓艺术作品中的精气神。它是主体赋予的， 同时又可以使受众体认出来。其次是作者本身作书时的心境、心意或意识自觉。所谓“意在笔先”和“画尽意在”，说得都是作者的一种心理训练。字画行笔中的浓、淡、干、湿、大、小、偏、正、连带以及整体布局，等等，都需要作者在用笔前和用笔中加以考虑和安排，这就是其中的意。作不到这一点，那就是胡写乱画了。
 
 
二、 石雕需要做到两个“至上”：一是尊重石头，二是神为上。
 
谈到雕刻，我近20年的心得有二：一是要尊重石头本身。石乃天公造物，自然溢美，它有自己的生命，雕者要尊重原石之美，结合自身的技艺，使二者合一。二是神为上，形次之。常有人问我什么是好作品？我的回答是：有神者皆为好作品。在我看来，一件好的雕刻作品，雕工粗细与石质的好坏不是衡量作品好坏的唯一关键，关键在于雕者能否赋予作品本身内在的精神。这种精神是无形的，但却存在于作品中。那么这种精神是什么呢？是传统的底蕴，是心与石的对话，是瞬间的顿悟，是万物皆美的善念……
 
雕刻的过程是费心劳体的，还要耐得住寂寞。雕刻从设计、选石、读石、粗坯、调整、细化到补形（配座），再到最后的抛光、上蜡等若干个程序。这背后的一切只有自己知道。作为雕刻手艺人的一员我是自豪的。这只缘于一种自我的满足，一种心与石的交融，一种人与空间的相遇，一种对传统的热爱。
石质的好坏乃天成非我辈能左右。以现有的石加上艺人的技，这个时候创意显得尤为重要。作品的语言就是雕者的修为，让作品的本身去调动观者随意想象。
从业以来感受最深的诟病就是形式主义。这种形式主义可怕到只把传统（包括艺术）当成某种由头，鲜有人再去追求一种艺术境界，也没有人再去管它是否真正传承，其不知他们丢掉的正是艺术的本身，膜拜的只是具皮囊。雕刻作为一门手艺背后的艰辛、困惑、徘徊、无奈、无人知晓，或者是不屑于知晓。
时代在发展，但是传统工艺却在慢慢消失，传统石雕行业正日渐萧条，这不能不让人痛心疾首。在我看来，时代的发展不能以丢失传统为代价。我们既不能抱残守缺，也不能盲目崇外，学习借鉴国外的长处，以中国独有的思维去融合、消化。发展中国的传统雕刻工艺。中华文明相传至今独立且博大，能做到不失自我，保持初心万物皆为我所用，有这泱泱大国的气度与底蕴。所以我认为传统的东西要竭力保护并鼓励发展。对传统优秀手艺的保护已不容再拖。我们应该，为五千年文明计，为子孙后代计。
石乃天创，不可再生。以石琢活，遵循自然，拾传统精华，聚时代风华，扬玉雕之技艺，愿民间传统手艺永耀中华。